24.10.2024

Gyemyeon, pièce chorégraphique de Sehyoung Lee

Présentée pour la première fois aux Beaux-Arts de Paris en 2023, Gyemyeon est une pièce pour six danseur.se.s, pensée autour du concept bouddhiste de « Samsara », la souffrance causée par le cycle infini des réincarnations. Au sein d’une installation évoquant un mobilier urbain aseptisé, les performeur.se.s incarnent tour à tour une des six destinées du Samsara: enfer, faméliques, animaux, êtres humains, demi-dieux belliqueux et dieux.
Sur une musique électronique jouée en direct, les danseur.se.s marchent, se cognent, se séduisent, s’effondrent, crient ou se relèvent. Tour à tour, dans une boucle sans fin, chaque personnage se fond dans un autre, redevient lui-même, avant que tous convergent en un seul être, et que le cycle recommence.

Né en 1993 à Séoul, Sehyoung Lee vit et travaille à Paris. Sculpteur, chorégraphe et performeur, il est diplômé des Beaux- Arts de Paris en 2023. Sehyoung Lee a joué dans des œuvres telles que Happening Tempête de Boris Charmatz au Grand Palais éphémère, Paris (2021). Il participera à la 68e édition du Salon de Montrouge en 2025 et a présenté ses créations Breaths (sculpture), Callus (sculpture), Fail me softly (performance) dans l'exposition collective "Temps Z" à la galerie Mennour. Il a également présenté sa pièce chorégraphique Gyemyeon 계면 (performance) dans l'exposition des Félicités aux Palais des Beaux-Arts en 2024, ainsi que (Ici) divague (performance, sculpture et sons) pour l’exposition de fin d’études aux Beaux-Arts de Paris. Il a aussi participé au festival de performances « No no fest » organisé par Thomas Conchou à la Maison populaire de Montreuil (2021).

21.11.2024

Stories of Rivers, perfomance de Julie Béna dans le cadre du Festival Les Créatives

Un cabaret sur l'avortement ? Impossible, du moins en apparence, tant les interruptions volontaires de grossesse sont encore stigmatisées comme glauques et cruelles. Le cabaret de Julie Béna remet en question ce postulat. Elle se lance dans un spectacle hyperbolique en trois chapitres, composé d'histoires, de chansons, de mimes et de danses, visant à susciter la petite vibration qui précède les rires ou les cris de terreur.

Julie Béna (1982, Paris, France) est une artiste qui travaille avec la sculpture, l'installation, le film et la performance. Elle s'appuie sur un ensemble éclectique de références, combinant la littérature contemporaine et ancienne, l’art officiel et le vernaculaire, l'humour et le sérieux, des temps et des espaces alternatifs. En 2012-2013, elle a fait partie du Pavillon, le laboratoire de recherche artistique du Palais de Tokyo, à Paris. En 2018, elle a été nominée pour le prix AWARE pour les femmes artistes. Au cours des dernières années, Béna a développé des cosmologies personnelles mettant en scène des personnages et des objets apparemment banals qui ont des conversations et des interactions énigmatiques les uns avec les autres. Elle vit à Prague et à Paris.

05.12.2024

The Aching pièce chorégraphique de Samir Kennedy, en partenariat avec le festival Les Urbaines de Lausanne

Le mot "aching" est un adjectif en anglais qui décrit une douleur ou un malaise continu ou persistant, généralement une sensation sourde ou lancinante. Il peut se référer à une sensation physique dans le corps, comme une douleur musculaire ou articulaire, ou il peut être utilisé métaphoriquement pour décrire une détresse émotionnelle ou psychologique.

The Aching explore la temporalité du chagrin, la temporalité de mon chagrin, en utilisant des chansons folkloriques de Grande-Bretagne, d'Irlande et des États-Unis pour nous plonger dans un rêve fiévreux, à la fois doux et brutal, qui parle de la nature apparemment éternelle de la capacité humaine à éprouver la souffrance, tout en la transformant en expressions

Samir Kennedy est un artiste britannico-algérien de danse, de performance et de son, basé entre Londres et Marseille. Il crée des œuvres interdisciplinaires mêlant vidéo, son, chorégraphie et performance, mettant en avant le corps comme un lieu à partir duquel interpréter les notions de classe, de race, d'altérité, de « queerness » et d'abjection. Il se sert des figures archétypales (comme le diable, le zombie, le clown) comme véhicules de la conscience collective qui suscitent des lectures complexes. Il utilise des marqueurs sociologiques esthétisés comme moyen de discuter des identités Intersectionnelles, tout en cherchant à miner ces esthétiques pour offrir de nouvelles réalités et possibilités pour l'existentialisme queer à prospérer grâce à la fictionnalisation et à la création de scénarios spéculatifs.

06.02.2025

Conférence performée (en anglais), 19h

Entrez dans l'inconnu quantique avec Rasheedah Phillips qui présentera une conférence performée autour de son dernier ouvrage : Dismantling the Master's Clock : On Race, Space, and Time (AK Press). Iel y tisse, à partir de ses expériences personnelles, des explorations de l'incertitude quantique et de sa résonance avec les temporalités noires. À travers une lentille afrodiasporique, iel découvre comment des concepts tels que la symétrie CPT, une hypothèse fondamentale de la physique des particules moderne, perturbent les notions linéaires du temps et nous invitent à réimaginer l'interaction mutable du passé, du présent et de l'avenir.

Rasheedah Phillips est un·e artiste queer interdisciplinaire et activiste pour le logement qui utilise des projets en ligne, des zines, des courts-métrages, des pratiques d'archivage, de la non-fiction expérimentale, de la fiction spéculative, de la gravure, de la performance, de la pratique sociale, de l'installation et de la recherche créative pour explorer la construction du temps, les temporalités et les futurismes communautaires à travers une expérience située et le prisme du futurisme noir.

27.02.2025

Chronopolitiques : séminaire de recherche
17h30 , en français et en anglais au GamMAH

Avec : Amelia Groom, Caroline Honorien, Salma Mochtari, Rachael Rakes et Gary Zhexi Zhang

Pour accompagner son cycle de performance intitulé « IT’S ABOUT TIME », Thomas Conchou invite des théoricien·nes, auteur·ices et chercheur·euses à présenter des contributions récentes au champ des chronopolitiques, envisageant la temporalité et les politiques du temps sous des angles économiques, coloniaux, queer, minoritaires, ou archivistiques.

Rachael Rakes et Amélia Groom reviendront sur leur collaboration autour du programme curatorial "No Linear Fucking Time" présenté au printemps 2022 à BAK, Utrecht, avant de présenter leurs recherches individuelles autour du temps. Gary Zhexi Zhang présentera son ouvrage collectif "Catastrophe Time!" paru aux MIT Press en 2023 qui s’intéresse aux technologies temporelles d’une réalité de plus en plus intangible. Caroline Honorien parlera des chronopolitiques coloniales à l’œuvre dans les pratiques d’artistes contemporain à partir de son article "L’horloge et le métronome" paru sur la plateforme de recherche themastersclock.fr. Salma Mochtari quant à elle partagera ses recherches sur la question de l’archive à partir d’une lecture des travaux de Jacques Derrida et de Saidiya Hartman.

17.04.2025

Suspending Time: Cosmic Tuning de Lou Drago
Dans le cadre de l'exposition Musique Mécanique, 19h

Depuis 2018, Lou Drago s'interroge sur les différents types de musique et de son qui potentialisent l'expérience du temps vertical ou non linéaire.
Poursuivant ce fil conducteur, Drago présente, Suspending Time: Cosmic Tuning, utilisant des sons provenant de diverses fréquences trouvées dans le cosmos. Dans le cadre de l'exposition Musique mécanique, le public est invité à s'allonger et à s'engager dans une écoute profonde pour tenter de vivre une suspension du temps. Un vecteur peut être établi entre ce mode d'écoute conscient et diverses pratiques de méditation et de pleine conscience qui soulignent de la même manière l'importance de se concentrer sur le présent. Alors que nous traversons une période de plus en plus turbulente et anxiogène, Drago croit en l’importance de cultiver une capacité à être présent et à se sentir soi-même dans un corps qui écoute et ressent. Suspendre le temps par la présence peut également être considéré comme un moyen de voler le temps aux impératifs capitalistes d’urgence et de productivité.

Lou Drago est un·e artiste berlinois·e qui travaille avec les sons, les mots, les êtres et les expériences affectives. Travaillant sur différents supports, sa pratique artistique œuvre à établir des liens entre le potentiel de guérison du son, la nécessité de la collectivité et de la solidarité à l'époque néolibérale, les féminismes queer et antiracistes, la méditation et les théories qui s'y rapportent. Ces dernières années, iel a organisé diverses « occasions d'écoute » qui permettent aux invité·es de pratiquer différentes manières d'être ensemble et avec soi-même. Le travail de Lou Drago a été partagé dans une variété de contextes à travers l'Europe et au niveau international.